EL MOVIMIENTO

1874 sería definitivo para la plástica moderna de occidente. En aquel año un grupo de jóvenes creadores –encabezados por los pintores Claude Monet, Alfred Sisley y Pierre-Auguste Renoir–presentaron sus obras ante la consternación del público parisino. Para la investigadora Christa Von Lengerke: La fascinación por el estímulo efímero de los breves instantes, la observación y la reproducción de colores y superficies cambiantes bajo el influjo de la luz natural, se convirtieron cada vez más en la concepción fundamental de sus creaciones.

Este nuevo lenguaje plástico se alejaba de los cánones académicos y de la copia fiel y realista del entorno natural, que habían permeado la pintura europea durante las primeras décadas del siglo XIX. La obra de Claude Monet, Impresión, sol naciente, suscitaría por parte del crítico de arte Louis Leroy –según lo publicó en el periódico Le Charivari– el término peyorativo de impresionistas, para definir a ese grupo cuya resolución artística quedaba enmarcada por una  pincelada corta, la eliminación del dibujo

y los contornos, el cromatismo cálido y la representación de las figuras bajo la luz palpitante del sol.

En Francia, los impresionistas, inspirados por la pintura revolucionaria de Manet, se liberan de principios trasnochados y definen ellos mismos el tema y la forma de su pintura […] pintan lo que quieren y como quieren, señala von Lengerke.

Escenas en plein air, lejos de todo convencionalismo de la Academia, registraron a la naturaleza con una investidura libre. El propio Monet apuntaba: Todo lo que se pinta del natural tiene siempre una fuerza que no se encuentra en el taller.

EL ARTISTA

Henri Lebasque tenía nueve años cuando la primera generación de impresionistas exhibieron sus obras en el taller de Charles Gleyre, causando una reacción inmediata en el público parisino.

La formación del joven pintor iría de la mano de los grandes momentos del Impresionismo y del Postimpresionismo: el registro lumínico sobre un mismo objeto, la solución a través de puntos o divisionismo cromático, el color puro de los fauves y la antesala de la vanguardia.

Amén de las influencias temáticas y compositivas que ejercerían sobre él los artistas Pierre Bonnard (1867-1947) y Édouard Vuillard (1868-1940), Lebasque prefirió seguir los lineamientos de Monet (1840-1926) y Renoir (1841-1919) en función de la pincelada difuminada y el empleo de colores apastelados, elementos que poblaron sus lienzos hasta el final de su vida.

Entre los temas predilectos del artista se encuentran por supuesto los paisajes del sur de Francia y los retratos de mujeres y niños –muchos de ellos de su propia familia– a laire libre o en composiciones intimistas.

A comienzos de la década de los años veinte del siglo pasado, se intensificaron los dolores reumáticos del pintor. Por sugerencia médica y para buscar un clima más favorable, se trasladó con su familia a la Costa Azul. Fue a partir de entonces y hasta su fallecimiento que el desnudo y la sensualidad femenina lo ocuparían por completo.

LA OBRA

Sigue durmiendo sin verme que yo, despierto a tu lado, vuelo al vuelo de tu sueño, y estoy tan cerca de ti que respiro por tu cuerpo.

ELÍAS NANDINO

Desnudo extendido en la colección de Museo Soumaya•Fundación Carlos Slim fue ejecutado alrededor de 1923 junto con una extensa serie de desnudos femeninos pletóricos de sensualidad, como los que alberga el Musée Joseph Déchelette en Roanne, Francia.

A partir de la representación de desnudos del maestro Edgar Degas (1834-1917), el espectador –en calidad de voyeur– había podido atisbar por el ojo de la cerradura sin romper la intimidad de una joven bañista o de la que reposa en su alcoba.

En la obra que nos ocupa, el artista recrea a una mujer que descansa merced a sus líneas insinuadas de brazos y piernas como testimonio de erotismo en plenitud.

El aire entra por la ventana y refresca la estancia, acompasado por el sutil movimiento del cortinaje, como el de la propia joven yacente. Una colcha y un mantel estampados con arabescos y dibujos naturalistas –cercanos en composición a Matisse– definen la tonalidad cromática de la obra, frente al rojo purísimo de la chalina y al rosa del bouquet de flores que aparece en el primer plano de la escena.